巴洛克时期的音乐发展
巴洛克音乐，是古典音乐的开端，研究巴洛克音乐的艺术风格，对于理解音乐发展的脉络，研究音乐创作和表演风格，教学指导等方面，均有着重要的学术意义。
巴洛克（Baroque），原意指形状不规则的珍珠。巴洛克艺术是1600年至1750年间在欧洲盛行的一种艺术风格。它产生在反宗教改革时期的意大利，发展于欧洲信奉天主教的大部分地区，以后随着天主教的传播，其影响远及拉美和亚洲国家。
巴洛克作为一种在时间、空间上影响都颇为深远的艺术风格，最开始流行于绘画艺术。不仅在绘画方面，巴洛克艺术也盛行于其他各个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等，内涵也极为复杂。但其最基本的特点，是打破了文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，注重强烈情感的表现，气氛热烈紧张，具有刺人耳目、动人心魄的艺术效果。
歌剧的诞生和器乐曲的发展标志着巴洛克时期新风格的确立。虽然歌剧是在巴洛克时期才诞生，但早在古希腊时期就有“古希腊悲剧”戏剧概念，中世纪文艺复兴时期的宗教剧牧歌剧都是重要的音乐体裁，巴洛克时期的歌剧是在前人基础上形成的一种独有的声乐体系。在巴洛克时期以前，由于宗教限制器乐音乐的发展，声乐音乐一直是主体，直到巴洛克时期随着宗教势力的削弱，器乐才得以充分发展。
巴洛克音乐是西方音乐艺术发展的一个重要历史阶段。这个时代继文艺复兴音乐时代之后，进入了古典音乐时代。巴洛克音乐被视为古典音乐的开端，现在仍被广泛研究、演奏和聆听。
巴洛克音乐的特点：
(1)在对位法上，复调音乐达到全盛，并向主调风格上有了较大的转移。
(2)在和声上，数字低音的使用，导致了和声学的诞生，正格终止取代了调性终止式，半音和声使用得更为广泛，转调更自由，不协和音的引入、处理也较大胆。
(3)在调性上，大小调取代了中古调式。
(4)音乐术语上，出现了指示乐曲速度或表情的术语。
(5)即兴演奏比任何一个时代都更有特点，在装饰曲调、变化主题、终止式以及对位的处理上，都更自由、深刻。
(6)在音乐体裁方面，出现了歌剧、清唱剧、康塔塔、受难曲、协奏曲、大协奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格曲等等新的音乐体裁。
巴洛克时代的主要作曲家包括约翰·塞巴斯蒂安·巴赫、安东尼奥·维瓦尔第、亨德尔、蒙特威尔第、斯卡拉蒂、珀塞尔、泰勒曼、让-巴蒂斯特·卢利、拉莫、夏庞蒂埃、阿尔坎杰洛、阿比诺尼等等。
巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。人们普遍认为约翰·塞巴斯蒂安·巴赫在1717年至1723年间创作了六首大提琴组曲，他的第二任妻子安娜·玛格达琳娜·巴赫的手稿标题为《大提琴组曲》。这些曲子一眼就能辨认出来，也许是迄今为止为大提琴独奏创作的最著名的音乐。这些组曲非常受欢迎，它们被改编成各种不同的乐器。巴赫虽未写过歌剧，而歌剧的戏剧性、形式结构和语汇都在受难曲中体现出来。根据马太福音和约翰福音所写的受难曲均分为两部分，相当于歌剧的两幕。当时两幕之间还加紧进布道。各部分中相当于场的段落都用众赞歌结束。男高音独唱的宣叙调贯穿全剧，代表传福音者，起叙事作用，歌词取自圣经。讲到人物说话时都由独唱代言，或合唱代表众门徒，构成叙事与代言相结合的形式。两部受难曲的歌词除取自圣经外还有众赞歌和自由创作的词。虽然都是讲耶稣受难钉上十字架的过程，但情节等各不相同。
维瓦尔第凭着他的《四季》一举成名天下知；毫无疑问，《四季》是安东尼奥·维瓦尔第最著名的作品。它于1725年出版，是12首协奏曲的组曲，题为《和谐与发明的考验》。协奏曲可以说是巴洛克时期最大胆的程序音乐。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅；他们所留下来的音乐作品，是巴洛克艺术时期的宝贵艺术财富。在仅仅24天的时间里，乔治·弗里德里克·汉德尔创作了《弥赛亚》，这是在他的朋友兼编剧查尔斯·杰内斯在一封信中表达了他在1741年创作《圣经》音乐选集的愿望之后。他们本打算在复活节表演弥赛亚，但它却在圣诞节找到了归宿。在整个作品中，汉德尔大量使用了文本绘画，这是一种音乐音符模仿文本线条的技巧。多梅尼科·斯卡拉蒂是亚历山德罗·斯卡拉蒂(另一位著名的巴洛克作曲家)的儿子，他创作了555首著名的羽管键琴奏鸣曲，其中超过一半是在他生命的最后六年里完成的。他的事业跨越到早期的古典时期，他的奏鸣曲影响了他之后的许多古典时期作曲家。阿坎杰洛·科雷利的《十二首大协奏曲》是巴洛克时期《十二首大协奏曲》的完美范例(这种音乐形式类似于大型管弦乐团和少数独奏者之间的音乐对话)。他是第一个以这种风格创作音乐的巴洛克作曲家。这12首协奏曲是在他死后发表的。
巴洛克音乐的节奏感强烈、跳跃，多采用多旋律、复音音乐的复调作曲技法，比较强调乐句的起伏，看重力度的对比变化，速度从始至终保持不变。单一的情绪首先是靠连续的共同节奏型来传达的。一开始的节奏型将贯穿始终，使音乐形成一股一直向前的动力。旋律同样具有延续性，一开始的旋律会在音乐中不断地重复出现，可能运用变奏，也可能发展和延伸旋律，但旋律的性质保持不变。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。巴洛克时期作品通常只表达一种基本情绪，自始至终都是一致的。这个时期的作品，在表达特定的情绪时，常与特定的伴奏型和旋律音型相联系。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色能很好地体现出巴洛克音乐的特色。巴洛克时期的键盘乐器主要是羽管键琴，羽管键琴不能表达渐强渐弱，只能在两个不同的键盘上弹奏比较而言的强弱，有一些学者称为阶梯性的音量变化。因此，在两个重复句中常用mp、mf作对比性处理。在音量方面，最好保持在p和f之间。由于羽管键琴发声是断续的，不能弹奏连奏。但在今天的钢琴上，我们可以选择不同的奏法，只要是合理的，都可以采用，但要注意其一致性。如在两声部的音乐中，一个声部是连续的十六分音符，可用连奏；另一个声部是八分音符可用断奏。如果是一个四十六节奏加一个二八节奏，我们可以将前一个节奏弹成连奏或分别两音连奏，后一节奏为断奏。又如前十六后八加二八节奏，可将前四个音连在一起，也可将中间三个音连在一起，其余断奏等。
巴洛克时期的曲式结构，巴洛克时期音乐的织体结构，主要是复调音乐和模仿对位。巴赫倾向于用一致的复调音乐；而亨德尔较多地运用复调和主调音乐的对比。和弦的低音声部也有了新的、突出的地位，构成和声的基础。
巴洛克时期所用的形式主要有组曲、变奏曲、赋格曲和奏鸣曲等。
组曲通常由一组不同速度、不同节拍和不同性质的舞曲组成。一首组曲中各舞曲是同一调性，并都由两个段落组成（二部曲式）。第一段有一个或两个主题，结尾转到属调或其他一些近关系调。第二段用主题的变奏或主题倒置等手法加以发展，最后再转回原主调。组曲发展到18世纪，以巴赫为代表，奠定了德国组曲的形式。其中舞曲的次序：首先是前奏性乐曲，如前奏曲、幻想曲、序曲及托卡塔等。这些乐曲不是每首组曲都必须有的，可以没有前奏性乐曲。接下来是：阿勒芒德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲，此后可加入任何舞曲，数量和类别都没有规定，如加沃特舞曲、布列舞曲、小步舞曲等，最后是吉格舞曲。
很多心理学家和研究学习的学者都认为巴洛克音乐拥有增强学习效果的作用。巴洛克音乐的旋律富有表现力，追求的是宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果。巴洛克音乐每分钟约60拍，与我们人类的脉搏与呼吸频率大致相同，使我们的脉搏和呼吸在这一节拍上趋于中和与稳定。巴洛克音乐的低振幅、低频率又可以诱发与增强我们大脑中的α波，促进脑内吗啡的分泌，使大脑进入最活跃的状态，让人进入一种超级脑能境界，能让学习、记忆和创造性思维获得充分的施展，从而大大提高大脑的效率。
由著名的保加利亚心理学家、教育家乔治·罗扎诺夫创造的风靡世界的暗示学习法中采用的就是巴洛克音乐。它可以帮助吸收、消化、记忆与运用知识，并获得了惊人的效率和成果。在巴洛克音乐的背景下学习，学生每天最多可以轻松地记住大约3000个单词，在3个月之后还能够记住大约 80%。
文艺复兴时期的音乐取得了一定的成就，巴洛克时期的音乐家们在此基础上不断创新和探索，在音乐创作中应用“音乐修辞学”原理，将悲伤、兴奋等感情融入到作品中，在促进音乐发展的同时，给巴洛克音乐注入了鲜活的生命力。巴洛克音乐作品体现在审美、宗教等方面的价值不可估量，因此，对巴洛克音乐的情感表达范式进行分析具有重要意义。巴洛克音乐有将人们从中世纪欧洲的宗教音乐中解放出来，注重人文主义精神的表现，肯定人们的价值，与传统的音乐相比，具有很多创新点。哲学思想与人文主义逐渐融合，音乐理论作为载体，兼具情感论美学与理性的特点。此外，随着科学技术的不断发展，人们对自然科学的探索不断深入，成为了音乐发展理论过程中的催化剂，促使理性与感性的融合进程加快。巴洛克音乐继承了文艺复兴时期的音乐成就，取得了新的突破。音乐情感的表达是巴洛克时期音乐的主要特色，“音乐修辞学”和“感情程论式”的应用对巴洛克音乐的发展具有重要影响。只有对“音乐修辞学”展开深入探究，才能够帮助我们理解巴洛克音乐。
